Pinterest вече не се подкрепя от този браузър, т.е. 6

Ние използваме бисквитки и подобни инструменти, които са необходими, за да ви позволят да правите покупки, да подобрите вашите услуги за пазаруване и да предоставите нашите услуги, както е описано подробно в нашето "бисквитка". Ние също така използваме тези бисквитки, за да разберем как клиентите използват нашите услуги (например чрез измерване на посещенията на сайта), така че можем да направим подобрения. Ако сте съгласни, добре използвайте бисквитки, за да допълвате Вашето пазаруване в магазините на Amazon, както е описано в нашето "бисквитка". Това включва използването на бисквитки от първа и трета страна, които съхраняват или имат достъп до стандартна информация, като например уникален идентификатор. Трети страни използват бисквитки за целите си за показване и измерване на персонализирани реклами, генериране на прозрения в публиката и разработване и подобряване на продуктите. Кликнете върху Персонализиране на бисквитките, за да намалите тези бисквитки, направете по-подробни решения или научете повече. Можете да промените избора си по всяко време, като посетите предпочитанията за бисквитки, както е описано в бележката. За да научите повече за това как и за какви цели Amazon използва лична информация (като историята на Amazon Store Estory), моля посетете нашата информация за поверителност. Piano Sonata No. 11, K331 3-то движение (Alla Turca) Ludwig van Beethoven (1770-1827), ОП. 113, турски марш от руини на Атина скромен Мушорги (1839-1881), улавяне на Kars -sollime March Johannes Brahms (1833-1897), ОП. 4, квартет за хор и пиано, фрагментно движение. Като част от очарованието на източната култура, турската тема е източник на вдъхновение в областта на музиката, както и други клонове на изкуството. Може би първите примери за това са две парчета от Моцарт. Най-важното от това е един от композиторите най-любимите опери, отвличането от Серагио, защото неговият предмет, както и неговите набор и музикални теми отразяват влиянието на източните теми. Естествено, отвличане от серагио, което съдържа всички характеристики на музикалния език на Моцарт, също е важно, тъй като този велик композитор на западната музика е повлиян от османската култура. Тази оперна операция се извършва през 16 век, в двореца на Селим Паша. Музолозите казват, че периодът, в който е написан тази опера (1781 г.), се характеризира с турската тенденция, която е била в Европа като цяло и във Виена по-специално. Това се основава на исторически събития. Mozarts Друго турско-тематично парче е третото движение на известната пиано соната № 11 (K331-300), турски март. Този раздел, със своя 2/4 метър и Quick Tempo, е отражение на Janissary Music през ушите на Моцарт. Това е добре доказателство, че Моцарт, като други виенски композитори от своето време, е повлиян от мехращата музика на турците, които два пъти са заобиколили Виена.

След като Моцарт е Лудвиг Ван Бетовен (1770-1827), който в своето парче руини на Атина (1811, ОП. 113) включва турски март. Руините на Атина са написани за игра със същото име на германския драматуркт Август Фридрих Ф. фон Коцеб, който е дебютирал в новия германски театър в Будапеща на 9 февруари 1812 г. Бетовен е вдъхновен от вариациите си за пиано в майор. 76, написан през 1809 г. В четвъртия акт на пиесата Минерва се събужда от 2000-годишен сън, за да намери Атина в руини, а сега в ръцете на турците. Следвайки тази част, Marcia Alla Turca, която Бетовен, публикувано през 1822 г. за четири ръце пиано, е почти толкова популярна, колкото и турски март на Моцарт. Въпреки че други композитори от турски-тематични парчета не показват такова ясно влияние от турската музика, Йоханес Брахмс и скромен Мушорски през 19 век написаха две части. В улавянето на KARS, написано между 1839 и 1881 г., скромен Мушорги включваше кратък мотив, изигран от вятърни инструменти, които напомнят на турската музика. Този март е един от композиторите рядко изпълнени произведения.

Композиторът от 19-ти век, Johannes Brahmss Peact Quartet за Chorus и Piano, Opus 64, съдържа раздел, крехки (въпроси), чиито думи бяха вдъхновени от турците. В тази хорова работа, поставена на текст от Георги Фридрих Дамер, няма влияние на турската музика, но показва интересът на композиторите по темата. В допълнение към петте парчета, които сме разгледали накратко тук, ще се появят други exmpro. Но фактът, че добре познатите композитори като Моцарт, Бетовен, Брамс и Мусорски произведения с турски теми могат да се считат за доказателства, че европейската култура е в определени периоди, повлияна от източната и следователно, турската култура. Можем да видим, че сред причините за това влияние е изтокът винаги служи като завладяващ източник на вдъхновение за стария континент; Известно е не само пуйка, а цивилизациите на страни като Иран, Египет, Индия, Япония и Китай, са вдъхновили западните художници. Но Османската империя, особено по време на нейното издигане и завладяване в Европа, повлияха на европейските художници със своята мистерия, колоритност и музика; Накратко, нейната култура. Дали причината е страхът от война или любопитство, това влияние дава възможност за писане на парчета като тези, които са разгледани тук. барокска музика

Baroque Music е стил на западно изкуство музика, съставена от около 1600 до 1750 г. Тази ера следва ренесанса и е последвана от класическата ера. Думата барока идва от португалската дума barroco, която означава деформирана перла, отрицателно описание на богато украсената и силно орнаментирана музика от този период. По-късно името се прилага и за архитектурата от същия период. Бароковата музика формира голяма част от класическия музикален канон, който е широко изучен, изпълнен и слушан. Композиторите на бароковата ера включват Йохан Себастиян Бах, Джордж Фридрик Хендел, Алесандро Скарлати, Доменико Скарлати, Антонио Вивалди, Хенри Пърсел, Георг Филип Телеман, Жан-Баптист Лули, Аркангело Корли, Томасо Алкинони, Франсоа Couperin, Denis Gaultier, Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Philippe Rameau, Jan Drazs Zelenka и Johann Pachelbel. Баровият период видя създаването на тоналност. През периода композиторите и изпълнителите използваха повече сложни музикални орнаменти, направени промени в музикалната нотация и развиха нови инструментални техники за игра. Бароковата музика разширява размера, гамата и сложността на инструменталната производителност, както и създадената опера, кантата, ораторио, концерт и соната като музикални жанрове. Много музикални условия и концепции от тази епоха все още се използват днес. Етимология

Въпреки че отдавна си мислеше, че думата като критична термин за първи път е била приложена към архитектурата, всъщност тя изглежда по-рано по отношение на музиката, в анонимен, сатиричен преглед на премиера през октомври 1733 г. на Rameaus Hippolyte et Ariicie, Отпечатано в Mercure de France през май 1734 г. Критикът предполага, че новостта в тази опера е DU BaroCque, която се оплаква, че музиката нямат кохерентна мелодия, е изпълнена с непрекъснати дисонанси, постоянно се променя ключ и метър, и бързо преминава през всяко композиционно устройство . Систематичното приложение на историците на термина барок към музиката на този период е сравнително ново развитие. През 1919 г. Кърт Сакс стана първият, който прилага петте характеристики на теорията на Heinrich Wölfflins на барока систематично към музиката. Критиците бързо поставят под въпрос опита за транспониране на категориите на Wölfflins, но и през второто тримесечие на 20-ти век независимите опити бяха направени от Manfred Bukofzer (в Германия и след неговата имиграция, в Америка) и от Сузан Клекерк-Лейун (в Белгия) да се използва автономен, технически анализ, а не сравнителни абстракции, за да се избегне адаптирането на теориите, основани на пластичните изкуства и литература към музиката. Всички тези усилия доведоха до значително несъгласие за границите на времето, особено що се отнася до това, когато започна. На английски мандата придоби валута само през 40-те години, в писанията на Букофзер и Пол Хенри Ланг.

До 1960 г. все още имаше значителен спор в академичните среди, особено във Франция и Великобритания, независимо дали е смисъл да се съберат музиката като разнообразна като тази на Якопо Пери, Доменико Скарлати и Й.., Бах под една рубрика. Въпреки това, терминът се използва широко и приет за този широк спектър музика. Може да е полезно да се разграничи барокът от предходните (ренесанса) и след (класически) периоди на музикална история. История

Баровият период е разделен на три основни фази: рано, среден и късно. Въпреки че те се припокриват във времето, те обикновено са от 1580 до 1630 г. от 1630 до 1680 г. и от 1680 до 1730.

ранна барокова музика

Флорентинските камери бяха група хуманисти, музиканти, поети и интелектуалци в края на Възраждането, които се събраха под патронажа на граф Джовани де Барди, за да обсъдят и насочват тенденциите в изкуствата, особено музиката и драмата. Във връзка с музиката, те основават идеалите си за възприемане на класическа (особено древна гръцка) музикална драма, която оценява дискурса и ориентацията. Като такива, те отхвърлиха своите съвременници използване на полифония и инструментална музика и обсъдиха такива древни гръцки музикални устройства като монотия, които се състоят от соло пеене, придружено от китара. Ранните реализации на тези идеи, включително Jacopo Peris Dafne и Leuridice, отбелязаха началото на операта, което от своя страна беше малко катализатор за барокова музика. По отношение на теорията на музиката, толкова по-широко разпространена употреба на фигурален бас (известен също като цялостен бас) представлява развитието на хармонията като линейните недостатъци на полифония. Хармонията е крайният резултат от контрапункт и фигурираната бас е визуално представяне на тези хармонии, които обикновено се използват в музикални резултати. Композиторите започнаха по себе си с хармонични прогресии, а също така използваха тритона, възприемана като нестабилен интервал, за да създадат дисонанс. Инвестициите в хармония също съществуват сред някои композитори в ренесанса, по-специално Carlo Gesualdo; Въпреки това, използването на хармония, насочено към тоналност, а не на модалност, отбелязва преминаването от ренесанса в бароковия период. Това доведе до идеята, че акордите, а не отбелязват, биха могли да осигурят чувство за затваряне - една от основните идеи, които станаха известни като тоналност. Като включите тези нови аспекти на композицията, Claudio Monteverdi подкрепи прехода от възрожденски стил на музиката към този на бароковия период. Той разработи два индивидуални стила на композиция - наследството на ренесансовия полифония (Prima Pratica) и новата техника на барока (втора Pratica). С писането на операта Lorfeo и Lincoronazione di Poppea наред с другото, Monteverdi донесе значително внимание на новия жанр на операта.

средна барокова музика

Възходът на централизирания съд е една от икономическите и политическите особености на това, което често е обозначено с епохата на абсолютизма, олицетворени от Луи XIV от Франция. Стилът на двореца и съдебната система на маниерите и изкуствата, които той насърчава, стана модел за останалата част на Европа. Реалността на нарастващата църква и държавни патронаж създават търсенето на организирана обществена музика, тъй като нарастващата наличност на инструменти създава търсенето на камерна музика.

Средният барок нямаше абсолютно никакво носене на теоретичната работа на Йохан, който систематизира строгия контрапункт, характерен за по-ранните възрасти в своя Градс АД Парансум (1725). Един предимство при съда стил композитор е Жан-Баптист Лули. Той закупи патенти от монархията да бъде единственият композитор на оперите за царя и да попречи на другите да имат опери. Той завърши 15 лирични трагедии и оставени недовършени Achille et polyxène. Музикално, той не е установил нормата, доминиран от низ за оркестри, който е наследен от италианската опера, и характерно френското детско дестинация (цигулки, виолас-в Haute-contre, tasilles и quintes размери - и Bass Boulines) бяха използвани в балета от времето на Луи XIII. Той обаче е въвел този ансамбъл на лиричния театър, като горните части често се удвояват от рекордери, флейти и обиват и басите от басони. Тръбите и кестулците често се добавят за героични сцени.

Arcangelo Corelli се помни като влиятелен за постиженията си от другата страна на музикалната техника - като цигулар, който организира цигулка и педагогика - и в чисто инструментална музика, особено за застъпничеството и развитието на концерта на Концерт на Концерт Гросо. Докато Лули беше пристъпила в съда, Корли беше един от първите композитори, за да публикува широко и да има музика в цяла Европа. Както при стилизацията и организацията на операта на операта, концертът Гросо е изграден върху силни контрастни секции, които се редуват между тези, които се играят от пълния оркестър, и тези, които се играят от по-малка група. Динамиката беше терасирана, която е с остър преход от силен до мек и обратно. Бързите секции и бавните участъци бяха съпоставени един срещу друг. Номериран сред неговите ученици е Антонио Вивалди, който по-късно е съставлявал стотици творби, базирани на принципите в Корелис Трио Сонатас и Концерти.

За разлика от тези композитори, Dieterich Buxtehude не е създание на съда, но вместо това е бил църковен музикант, държащ длъжностите на органист и Werkmeister в Мариенкирхе в Любек. Неговите задължения като Werkmeister участват като секретар, касиер и бизнес мениджър на църквата, докато позицията му като органист включваше играе за всички основни услуги, понякога в сътрудничество с други инструменталисти или вокалисти, които също бяха платени от църквата. Изцяло извън официалните си църковни задължения, той организира и насочи концертна серия, известна като TheAbendmusiken, който включваше представления на свещени драматични творби, считани от съвременниците му като еквивалент на оперите.